(scroll for Danish version)
The performance is based on the iconic scene from Mozart's Don Giovanni, where the main character is sent down to hell, and Simon Steen-Andersen unfolds an infernal staging that samples 400 years of opera with site-specific and cinematic elements. Every word and every note is found in existing opera scores, the characters move in and out of videos and live performance and into the darkest corners of the opera house. We asked the composer to tell us about the work, the process and some of the ideas behind it.
How would you describe your opera 'Don Giovanni's Inferno'?
"The concept is an extended staging, where I don't just stage one opera, but a large part of opera history seen from a certain perspective. The staging is site-specific based on the opera house where the performance takes place, which is featured in video recordings as a virtual stage set. In this way, I try to create an experience of moving around the building we are in and using the entire opera house as a stage.”
"I use the scene where Don Giovanni descends into hell as the perfect starting point for a story in a surreal and twisted universe, and the narrative of the opera proceeds in two parallel tracks: On the one hand, we follow Mozart's character Don Giovanni through opera hell, where he meets all the damned and demonic characters from the classical opera repertoire. At the same time, there is a kind of double interpretation, where the narrative can also be understood as the opera singer's nightmare, as he lies unconscious after hitting his head on the way down the stage trapdoor and is haunted by memories from a long career in opera. In both cases, Don Giovanni and his jump into the trapdoor or into Hell is the perfect setup to create this surreal world, where the entire repertoire is intertwined.”
What is your relation to the history of opera, and why is it interesting for you to use the existing operas as material?
"I'm not the typical opera composer or opera fan for that matter, but I think it is a really exciting material to take on as an outsider, and my approach to it is the same as to all the material I've worked with in the past several years – material from archives or found on locations. What they all have in common is that they are found objects that already have a place in the world and that people automatically have certain expectations to.”
How did you work with the scores and how do they intertwine?
“I always work with all the different dimensions in parallel and let my research within one dimension influence my work in the others. My work with the project has been ongoing since the first idea arose approximately seven years ago; Defining the whole concept, finding references and moments in the repertoire that could be used, and defining how the opera house and the scenic elements could be included. At the same time, I have done a lot of research about different representations of hell or the underworld, and how the balancing act with the church's view has affected the way the composers and librettists have formed their works. I've also delved into things that had nothing to do with opera, like Dante's Divine Comedy and Hieronymus Bosch's paintings with his amazing fantasies of the underworld.
At some point I started to condense it. Started to find out what demonic and damned characters I could draw upon, and that's how I came up with Don Giovanni and my opera devil, who is called Polystofeles. Poly because he is a composite character mixed from 19 different Mephistopheles, Plutos, demons and personified devils from the entire repertoire from 1600 to 1940. There is not a single word or note in the opera that is not found in an existing score, so it's a complex puzzle. I have created a basic structure that plays against what Don Giovanni might say based on phrases from his original character. With the devil, I have worked with single words and have more or less been able to speak freely, but in a very artificial operatic language, and in German, Italian, French and Russian - often in one and the same sentence. Based on that material, I have created a narrative where the characters can meet each other across their respective operas, and where at the same time there is a new metanarrative with the fainted opera singer, which reflects back on the entire history of opera and the genre."
How did the idea for Don Giovanni's Inferno come about?
"I can't really answer that, but it arose from a mixture of several things. Ten years ago, I made Inszenierte Nacht, where I staged classical pieces based on the idea that I feel completely free and uncommitted to how the original sounds, but I am interested in investigating the ideas behind them, amplifying them, interpreting them and staging them in relation to the present time. A staging that also takes place "within" the music, with the same strategies and concepts as for the scenic elements, instead of simply working "around" the music. I've actually been working in that direction ever since. When I work with found material, it is not to recreate the music but to treat it in a way that explores and reflects on it. Many of my works are not just written for an orchestra or for a harp. They are written about an orchestra or about a harp - the harp becomes a kind of protagonist or a subject that is treated with the harp and that is also the case here with the opera: The opera becomes a protagonist that is treated and explored in the opera concept. Later, the idea of the site-specific came to mind, which I have worked with, for instance, in Run Time Error.
Besides, I'm always looking for something that might trigger the surreal or that which can turn things upside down, and at one point it struck me that the trapdoor in the last scene of Don Giovanni is the perfect motivation for being in a place where anything can happen. I think it opens up a huge fantasy world and a playground in the repertoire, which is completely integrated into the narrative and the basic setup.”
How is the video element included in the work?
"The video is integrated both as a stationary stage set and as a moving scenography. It is used for a series of excursions around the house to the various scenes, so that you get a sense of movement. In many ways you can say that it is all like a movie, but most of the scenes take place live on stage. In addition, there is interaction between the video and the stage, so sometimes one character is in the video while the other is on stage, and they can also move from the stage into the video and then continue in there or vice versa. There is constant exchange and interaction, so hopefully you will consider them as one thing and not just foreground/background or live performance/video.”
Why is the site-specific element so important?
"There are a number of things that I find fascinating by bringing the site-specific into this context. You have traditionally built large stage sets and painted backdrops to be able to stage these stories, but I think that with virtually all of these stories - especially when they take place in hell - the opera house itself delivers something on a level that you could not recreate. It's so amazing, it's so dark and dusty and gloomy. In addition, this double interpretation arises even more in the narrative: are we now in a fictional underworld, or are we in the basement of the opera house in the nightmare of the singer, who lies unconscious down there? At the same time, I love that just as the opera scores are found objects, this is also found. You open a door, and find all this. Of course, I set the light and decide the angle of the camera, but it is not mostly me who subjectively creates the expression. I like the distance, a kind of reduced expressiveness inherent in it.
Finally, I find it incredibly exciting to explore such a place, and in fact I also see it partly as a form of documentation with a musical or theatrical perspective. You see corners of the opera house that even the most experienced technicians can no longer find their way to or from. Such an old house has so many layers of history - it has been modernized, renovated, and added to. There are rooms that have literally not been opened for decades, so theoretically someone could live down there and occasionally kidnap an opera singer or two without anyone noticing. The house becomes, so to speak, a protagonist on par with our devil and our Don Giovanni.”
The audience can look forward to twisted classics, broken clichés, cinematic post-apocalypse, musical punishment, grinding stage mechanics, light, and smoke when Don Giovanni's Inferno premieres at the Opera National du Rhin in Strasbourg on 16 September 2023 and subsequently receives its Danish premiere at The Royal Theatre in Copenhagen in the spring of 2024.
Simon Steen-Andersen: Don Giovanni aux enfers, 16-21 September, Opera National du Rhin, Strasbourg. Information and tickets.
Simon Steen-Andersen: Don Juans inferno, 20 April – 9 May 2024, The Royal Theatre, The Old Stage, Copenhagen. Information and tickets.
Med Don Giovanni gennem operaens underverden
En fængslende rejse ind i operahistoriens underverden venter, når Simon Steen-Andersens opera, Don Giovannis Inferno, bliver uropført. Forestillingen tager udgangspunkt i den ikoniske scene fra Mozarts Don Giovanni, hvor hovedpersonen sendes ned i helvede, og Simon Steen-Andersen udfolder en infernalsk iscenesættelse, der sampler 400 års operakunst med stedspecifikke og filmiske elementer. Hvert eneste ord og hver en tone er fundet i eksisterende operapartiturer, karaktererne bevæger sig ind og ud af filmoptagelser og liveopførelse og rundt i operahusets mørkeste hjørner. Vi har bedt komponisten fortælle om værket, processen og nogle af idéerne bag.
Hvordan vil du beskrive din opera ’Don Giovannis Inferno’?
”Konceptet er en udvidet iscenesættelse, hvor jeg ikke bare iscenesætter én opera, men en stor del af operahistorien set fra et særligt perspektiv. Iscenesættelsen er stedspecifik baseret på operahuset, hvor forestillingen sættes op, der bliver vist på video-optagelser som et virtuelt stageset. På den måde prøver jeg at skabe en oplevelse af at bevæge sig rundt i den bygning vi befinder os i og bruge hele operahuset som scene.”
”Jeg bruger scenen, hvor Don Giovanni ryger ned i helvede, som det perfekte udgangspunkt for en fortælling i et surreelt og fordrejet univers, og operaens narrativ forløber i to parallelle spor: På den ene side følger vi Mozarts karakter Don Giovanni gennem operahelvede, hvor han møder alle de fordømte og dæmoniske karakterer fra det klassiske operarepertoire. Samtidig er der en slags dobbeltfortolkning, hvor handlingen også kan forstås som operasangerens mareridt, mens han ligger bevidstløs efter at have slået hovedet på vej ned i scenens faldlem og hjemsøges af minder fra en lang operakarriere. I begge tilfælde er Don Giovanni og hans hop ned i faldlemmen eller ned i Helvede det perfekte setup for at skabe den her surrealistiske verden, hvor hele repertoiret flyder sammen på kryds og tværs.”
Hvad er din relation til operahistorien, og hvorfor er det interessant for dig at bruge de eksisterende operaer som materiale?
”Jeg er ikke den typiske operakomponist eller operafan for den sags skyld, men jeg synes, det er et helt vildt spændende materiale at give sig i kast med som outsider, og min tilgang til det er den samme som til alt det materiale jeg har arbejdet med de sidste mange år – materiale fra arkiver eller fundet på locations. Fælles for det er, at det er fundne objekter, som allerede har en plads i verden, og som folk automatisk har nogle forventninger til.”
Hvordan har du arbejdet med partiturerne og hvordan de fletter sig ind i hinanden?
”Jeg arbejder altid med alle de forskellige dimensioner parallelt, og lader min research inden for en dimension have indflydelse på mit arbejde i de andre. Mit arbejde med projektet, har været langsomt i gang siden den første idé opstod for ca. syv år siden. Det har handlet om at definere hele konceptet, finde referencer og momenter i repertoiret, som kunne bruges, og at definere hvordan operahuset og det sceniske kunne indgå. Sideløbende har jeg lavet en del research omkring forskellige repræsentationer af helvede eller underverdenen, og hvordan balancegangen med kirkens opfattelse har påvirket måden, komponisterne og librettisterne har udformet deres værker. Jeg er også dykket ned i ting der ikke havde noget med opera at gøre, som Dantes Guddommelige Komedie og Hieronymus Boschs malerier med hans fantastiske fantasier om underverdenen.
På et tidspunkt begyndte jeg så at kondensere det. Begyndte at finde ud af hvilke dæmoniske og fordømte karakterer jeg kunne trække på, og sådan kom jeg frem til Don Giovanni og min operadjævel, som hedder Polystofeles. Poly fordi han er en sammensat karakter af 19 forskellige Mefistofeles’er, Pluto’er, dæmoner og personificerede djævle fra hele repertoiret fra 1600 til 1940. Der er ikke et eneste ord eller en eneste tone i operaen, som ikke er fundet i et eksisterende partitur, så det er et komplekst puslespil. Jeg har skabt en grundstruktur, der spiller op imod hvad Don Giovanni kan sige baseret på sætninger fra hans oprindelige karakter. Med djævlen har jeg arbejdet med enkeltstående ord og har mere eller mindre kunne tale frit, men dog på et meget kunstigt operasprog, og i øvrigt på både tysk, italiensk, fransk og russisk - ofte i én og samme sætning. Ud fra det materiale har det så handlet om at skabe et narrativ hvor karaktererne kan møde hinanden på tværs af deres operaer, og hvor der samtidig er et nyt metanarrativ med den besvimede operasanger, som reflekterer tilbage på hele operahistorien og genren.”
Hvordan opstod ideen til Don Giovannis Inferno?
”Det kan jeg faktisk ikke svare på, men den er opstået ud fra en blanding af flere forskellige ting. For ti år siden lavede jeg Inszenierte Nacht, hvor jeg iscenesatte nogle klassiske stykker ud fra tanken om, at jeg føler mig helt fri og uforpligtet overfor, hvordan originalen lyder, men er interesseret i at undersøge ideerne bag, forstærke dem, fortolke dem og iscenesætte dem i forhold til nutiden. Vel at mærke en iscenesættelse, der også foregår "inden i" musikken, med de samme strategier og koncepter som for det sceniske, i stedet for blot at arbejde "rundt om" musikken. Jeg har i virkeligheden arbejdet i den retning siden da. Når jeg arbejder med fundet materiale, er det ikke for at genskabe musikken men for at behandle den på en måde, der udforsker og reflekterer over den. Mange af mine værker, er ikke bare skrevet for et orkester, eller for en harpe. De er skrevet om et orkester eller om en harpe – harpen bliver en slags protagonist eller et emne som behandles med harpen og på samme måde her med operaen: Operaen bliver en protagonist, som behandles og udforskes i operakonceptet. Senere er tanken om det stedspecifikke kommet til, som jeg blandt andet har arbejdet med i Run Time Error.
Derudover er jeg jo altid på udkig efter motivationen for det surrealistiske eller det, der kan vende tingene på hovedet, og på et tidspunkt slog det mig, at faldlemmen i sidste scene i Don Giovanni er den perfekte motivation for at være et sted, hvor alt kan ske. Jeg synes, det åbner op for en kæmpe fantasiverden og en legeplads i repertoiret, som er fuldstændig integreret i narrativet og i det grundlæggende setup.”
Hvordan indgår videoelementet i værket?
”Videoen er integreret både som stationært stageset og som en bevægelig scenografi. Det bliver brugt til en række ekskursioner rundt i huset til de forskellige scener, så man får en fornemmelse af bevægelse. På mange måder kan man sige, at det hele er som en film, men størstedelen af scenerne foregår på scenen live. Derudover er der interaktion imellem videoen og livescenen, så nogle gange er der én karakter på videoen mens den anden står på scenen, og de kan også gå fra scenen og ind i videoen og så fortsætter de derinde eller omvendt. Der er konstant udveksling og samspil, så forhåbentlig vil man betragte dem som en ting og ikke bare som forgrund/baggrund eller som liveperformance/video.”
Hvorfor er det stedspecifikke element så vigtigt?
”Der er forskellige ting, som jeg synes er fascinerende ved at bringe det stedspecifikke ind i den her sammenhæng. Man har jo traditionelt bygget store kulisser og malet backdrops for at kunne iscenesætte de her historier, men min tanke er, at til stort set alle de her historier – særligt når det foregår i helvede – leverer operahuset selv noget på et niveau som man aldrig ville kunne genskabe. Det er så fantastisk, det er så mørkt og støvet og dystert. Derudover opstår der endnu mere det her dobbeltspil i narrativet: er vi nu i en fiktiv underverden, eller er vi i operahusets kælder i mareridtet hos sangeren, der ligger bevidstløs dernede? Samtidig elsker jeg, at ligesom operapartiturerne er fundne objekter, er det her også fundet. Man åbner en dør, og så er der bare alt det her. Selvfølgelig går jeg ind og sætter lyset og bestemmer vinklen på kameraet, men det er ikke mestendels mig, der subjektiv skaber udtrykket. Jeg kan godt lide den distance, en form for reduceret ekspressivitet, der ligger i det.
Sidst men ikke mindst, synes jeg bare, det er utroligt spændende at udforske sådan et sted, og i virkeligheden ser jeg det også delvist som en form for dokumentation med et musikalsk eller teatralsk perspektiv. Som publikum kommer man rundt i hjørner af operahuset, som selv de mest garvede teknikere ikke længere kan finde hen til eller hjem fra. Sådan et gammelt hus har jo så mange lag af historie – det er blevet udbygget, moderniseret og renoveret, så jo dybere man kommer ind jo mindre er det blevet berørt. Der er rum, der vitterligt ikke har været åbnet i årtier, så teoretisk set kunne der jo godt bo nogen dernede, som en gang imellem kidnappede en operasanger eller to, uden at man ville opdage det. Huset bliver så at sige en protagonist på linje med vores djævel og vores Don Giovanni.”
Publikum kan se frem til forskruede klassikere, brudte klichéer, filmisk post-apokalypse, musikalsk afstraffelse, kværnende scene-mekanik, lys og røg, når Don Giovannis Inferno uropføres på Opera National du Rhin i Strasbourg den 16. september 2023, og får efterfølgende dansk premiere på Det Kongelige Teater i København i foråret 2024